No universo da música pop, as vozes femininas costumam ser associadas a tons agudos e cristalinos. No entanto, há um seleto grupo de artistas cuja força vocal reside justamente no oposto: os registros graves, encorpados e emocionantes das vozes de contralto. Raras e inconfundíveis, essas vozes têm marcado gerações e redefinido o que significa cantar com profundidade.

O que é uma voz de contralto?

 

A voz de contralto é a classificação vocal feminina mais grave, marcada por um timbre profundo, encorpado e raro – com um alcance típico entre F3 e F5. É caracterizada por um timbre escuro, quente e aveludado, muitas vezes descrito como “terroso” ou “cavernoso”. Possui potência nos graves e agilidade surpreendentes em registros baixos. Evitam agudos extremos, que podem soar tensos ou forçados.

Por ser menos comum que soprano ou mezzo-soprano, a voz de contralto se destaca com facilidade — e quando bem explorado, transmite uma intensidade emocional única. Ideal para repertórios que exigem profundidade emocional, como jazz, soul, gospel e baladas dramáticas.
Nas óperas, contraltos costumam interpretar personagens mais maduros, misteriosos ou autoritários.

As vozes de contralto desafiam estereótipos de feminilidade na música. Elas evocam força, maturidade e mistério, muitas vezes associadas a narrativas mais densas e introspectivas. Em um mercado dominado por agudos e falsetes, essas cantoras oferecem uma alternativa profundamente emocional.

Além disso, o contralto tem sido essencial em gêneros como soul, R&B, jazz e folk, onde a expressividade vocal é mais valorizada do que a extensão. Cantoras como Sarah Vaughan, Nina Simone e Etta James pavimentaram esse caminho, influenciando gerações posteriores.

As contraltos mais famosas da história da música pop

Annie Lennox: Com uma extensão vocal impressionante de cerca de três oitavas — de G2 a C6 — e um timbre escuro, poderoso e emocionalmente expressivo, a voz cantora escocesa transita com facilidade entre registros, usa melismas e ornamentações com precisão e possui excelente controle de respiração, permitindo notas longas e sustentadas. Destaque em No More I Love You’s, Why, A Whiter Shade of Pale e Sweet Dreams.

Sade: conhecida por sua capacidade de criar ambientes sonoros delicados e sofisticados, usando volume controlado, respiração precisa e dinâmicas sutis. Sua voz transmite serenidade, melancolia e elegância. É considerada uma das mais icônicas do gênero quiet storm, influenciando gerações de cantoras que valorizam a sutileza e a delicadeza. Destaque em Smooth Operator, No Ordinary Love e By Your Side.

Tracy Chapman: Com timbre grave, suave e introspectivo — ideal para transmitir emoção e profundidade em estilos como folk, soul e blues. Conhecida por sua entrega vocal contida e emocional. Ela evita ornamentações exageradas, focando na clareza da mensagem e na expressividade natural da voz. Sua voz de contralto contribui para a atmosfera contemplativa de suas canções, tornando-a uma referência vocal para cantores que valorizam profundidade emocional e simplicidade técnica. Destaque em Fast Car, Baby Can I Hold You e Give Me One Reason.

Toni Braxton: Com uma extensão vocal de aproximadamente três oitavas — de Bb2 a Bb5 — e um timbre escuro, profundo e sensual que se tornou sua marca registrada no R&B e pop. É conhecida pelo uso expressivo do vibrato, fraseado emocional e contido, técnica de respiração que favorece notas longas e sustentadas e evita ornamentações excessivas, focando na clareza e profundidade. Destaque em Un-Break My Heart, Breathe Again e Let It Flow.

Cher: Com timbre grave, encorpado e andrógino — uma das vozes mais reconhecíveis e distintas da música pop. Utiliza técnicas como: fraseado direto e firme, uso expressivo do vibrato, controle de respiração para sustentar notas graves com clareza e evita ornamentações excessivas, focando na força e clareza da interpretação. Ela declarou que não gosta de ouvir sua própria voz, pois sente que “come sílabas” para não estourar notas que não consegue alcançar. Essa autocrítica revela sua consciência técnica e seu estilo vocal direto, que se tornou uma assinatura ao longo de seis décadas de carreira. Para quem acha que ela é a rainha do autotune, ouça suas interpretações antigas, como Gypsys, Tramps & Thieves, Dark Lady, I Found Someone, If I Could Turn Back Time, Just Like Jesse James e Heart of Stone.

Norah Jones: Sua voz é frequentemente descrita como “acolhedora” e “intimista”, sendo uma das mais reconhecíveis do jazz-pop contemporâneo. Sua zona de conforto está nos registros graves e médios, com uma emissão vocal relaxada e natural. Conhecida pelo fraseado sutil e expressivo, uso mínimo de vibrato e ornamentações, clareza na dicção e controle de dinâmica e interpretação emocional sem exageros. Destaque em Don’t Know Why, Come Away With Me e Sunrise.

Anita Baker: Com um timbre escuro, suave e sofisticado — uma das vozes mais marcantes do R&B e soul dos anos 1980 e 1990. Sua voz é naturalmente grave, com conforto nos registros baixos e médios. Segundo análise técnica, sua extensão vocal vai de C♯3 a C♯6, cobrindo cerca de três oitavas. Conhecida pela entrega emocional refinada, com foco na interpretação, controle dinâmico e uso expressivo do vibrato e fraseado natural, sem exageros técnicos, mas com grande musicalidade. Sweet Love, Caught Up in the Rapture e Giving You the Best That I Got.

Grace Jones: Com sua estética futurista, presença cênica imponente e atitude provocadora, Jones revolucionou o conceito de performance artística. No centro de tudo isso está sua voz: um contralto poderoso, andrógino e inconfundível. Seu timbre é rouco, metálico e profundo, com uma sonoridade que desafia convenções de gênero e estilo. Essa característica vocal contribui diretamente para sua imagem andrógina e sua estética sonora única. Exemplos: Pull Up to the Bumper, Slave to the Rhythm, I’ve Seen That Face Before (Libertango) e Victor Should Have Been a Jazz Musician.

Amy Winehouse: usava fraseado irregular, vibrato expressivo e ataques vocais intensos. Sua formação teatral contribuiu para uma interpretação dramática e autêntica, sem exageros técnicos. tinha excelente controle técnico e conseguia transitar entre registros com fluidez. Sua voz é frequentemente estudada por cantores que buscam entender como unir técnica e emoção de forma autêntica. Destaque em Back to Black, You Know I’m No Good e Love Is a Losing Game.

Nina Simone: Não se limitava a técnica clássica — ela usava sua voz como instrumento emocional. Misturava jazz, blues, gospel e música clássica com uma entrega vocal que era ao mesmo tempo crua e refinada. Sua voz não era apenas técnica — era um canal direto de emoção e protesto, especialmente em músicas com conteúdo político e social. Destaque em I Put a Spell on You, Feeling Good e Sinnerman.

Karen Carpenter: Com timbre suave, melancólico e cristalino, ela considerada uma das mais belas e emotivas da música popular. Com timbre suave, doce e introspectivo, levemente melancólico, com clareza emocional e ideal para baladas românticas e arranjos suaves. Ela se destacou pela dicção impecável e fraseado limpo, controle de respiração e dinâmica refinada, interpretação emocional sutil, sem exageros técnicos e extensão vocal estimada. Exemplos marcantes em Close to You, Rainy Days and Mondays e Superstar.

Sarah Vaughan: Tinha uma voz classificada como contralto lírico, com uma extensão vocal extraordinária, timbre aveludado e técnica impecável. Embora sua voz tivesse flexibilidade para alcançar notas de soprano, sua zona de conforto e timbre naturalmente grave a posicionam como contralto. Era conhecida pelo controle absoluto do vibrato, fraseado sofisticado, influenciado pelo bebop, afinação precisa e improvisação melódica e uso magistral de dinâmicas e modulações. Destaque em Misty, Lullaby of Birdland e Tenderly.

Etta James: Tinha uma extensão vocal impressionante e um timbre encorpado, rouco e emocionalmente poderoso — ideal para blues, soul e R&B. Seu timbre era terroso, encorpado e rouco, com presença marcante nos graves, capaz de soar suave e lírica (Misty Blue) ou firme e agressiva (Something’s Got a Hold on Me) e dominava os registros médios e baixos com naturalidade. Seu estilo vocal era conhecido pelos Growls e grunhidos característicos em seu belting (canto potente), versatilidade emocional, indo do lirismo ao ataque vocal e absoluta controle técnico que permitia adaptar o timbre conforme o gênero musical. Exemplos marcantes em At Last, I’d Rather Go Blind e Tell Mama.

Eartha Kitt: Com um timbre grave, sensual e teatral — uma assinatura vocal que a tornou única no jazz, cabaré e música pop. Seu timbre era grave, rouco, sedutor, teatral e expressivo, com forte presença cênica. Ideal para canções provocativas e sofisticada. Ela usava sua voz como instrumento dramático com fraseado teatral e cheio de intenção, dicção precisa e afetada, com sotaque internacional estilizado e uso de pausas e entonações para criar tensão e charme. Eartha Kitt também foi a primeira mulher negra a interpretar a Mulher-Gato na série Batman (1967), usando sua voz grave e felina para criar uma personagem memorável. Destaque em Santa Baby, C’est Si Bom e I Want to Be Evil.

Brasil

Maria Bethânia tem voz de contralto dramático, com timbre grave, rouco e expressivo — uma das vozes mais marcantes e teatrais da música popular brasileira. Sua voz se destaca pela profundidade e peso nos registros graves, com grande expressividade e presença cênica. É uma das vozes femininas mais graves da MPB. Seu timbre é grave, rouco e intenso, carregado de emoção e teatralidade e capaz de alternar entre suavidade poética e força dramática. Seu estilo vocal é conhecido pela declamação poética/uso da voz falada como recurso artístico, interpretação visceral, que mistura canto, fala e silêncio e controle de dinâmica e respiração, com pausas dramáticas e entonações marcantes. Exemplos marcantes (são tantos…): Carcará, O Canto de Dona Sinhá e Festa.

Zezé Motta tem voz do tipo contralto coloratura, uma combinação rara que une profundidade grave com agilidade vocal. Essa classificação permite que ela transite entre registros baixos e ornamentações vocais com leveza e sofisticação. Sua voz se adapta ao samba, MPB, soul e até à música teatral, com presença marcante. Ela canta com entrega dramática, valorizando o conteúdo das letras e o contexto histórico-cultural. Sendo atriz, sua formação teatral influencia sua maneira de cantar — com emoção, narrativa e presença cênica. Em músicas como “Senhora Liberdade”, “O Grito” e “Magia”, sua voz contralto se destaca pela força e elegância.

Ana Carolina: Sua voz contralto confere intensidade emocional às músicas, especialmente nas baladas e canções de MPB com letras densas. Ela consegue explorar nuances graves com clareza, sem perder expressividade, o que é difícil para muitas cantoras. Sua voz transmite maturidade, força e introspecção, qualidades que se alinham com um estilo lírico e melódico. A profundidade de sua voz permite interpretações dramáticas e sensuais, como em “Garganta”, “Quem de nós dois” e “Encostar na tua”.

Alcione: Com timbre grave, encorpado e extremamente expressivo — uma das marcas registradas da cantora. Essa classificação vocal contribui para a força e profundidade emocional de suas interpretações. Sua voz tem uma sonoridade quente e profunda, ideal para o samba e a música romântica. Embora seja contralto, ela alcança notas agudas com potência e controle, o que demonstra sua técnica refinada. Sua voz transmite emoção com facilidade, seja em canções de dor, paixão ou celebração. Além do samba, ela transita por gêneros como bolero, MPB e música latina, sempre mantendo sua identidade vocal. Um dos seus grandes destaques foi na interpretação de “Você Me Vira a Cabeça (Me Tira do Sério)”. Outro foi em “Não Deixa o Samba Morrer”.

Zélia Duncan: tem uma voz do tipo contralto, com timbre grave, firme e cheio de personalidade — uma das marcas mais distintas de sua carreira. Essa voz profunda e expressiva é ideal para sua mistura de MPB, pop, rock e samba. Transmite maturidade, introspecção e força emocional. Adapta-se com naturalidade a diferentes gêneros, do rock alternativo ao samba-canção. Mesmo em arranjos minimalistas, sua voz se impõe com clareza e emoção. Sua voz contralto permite interpretações profundas e reflexivas, muitas vezes com um toque melancólico ou existencial. Sua voz é considerada por críticos como “plural e autêntica”, com um “suingue” natural que a torna única na cena musical brasileira. Em músicas como “Catedral”, “Enquanto Durmo” e “Nos Lençóis Desse Reggae”, Zélia explora os graves com suavidade e intensidade.

Ivete Sangalo: com uma extensão vocal impressionante que vai de F2 a G6, ela alcança notas extremamente graves para uma mulher, além de atingir agudos com potência e controle. Sua voz se adapta com facilidade ao axé, pop, samba-reggae, baladas românticas e até rock. Sua voz é conhecida por sustentar notas longas com firmeza, além de ter um vibrato natural e bem controlado. Sua voz é considerada uma das mais potentes da música brasileira contemporânea, especialmente em performances ao vivo, onde ela mantém afinação e potência mesmo em shows longos e intensos. Em carreira solo, ela explora sua voz em músicas como “Se Eu Não Te Amasse Tanto Assim”, “Festa” e “Quando a Chuva Passar”, que mostram tanto sua força quanto sua sensibilidade.

Adriana Calcanhotto: com timbre grave, suave e introspectivo — ideal para sua estética poética e minimalista. Com timbre grave e aveludado, sua sonoridade transmite lirismo, delicadeza e profundidade emocional. Ela tem um estilo vocal intimista, muitas vezes com entonação quase falada, criando uma estética reflexiva. Seu estilo vocal é descrito por estudiosos como “rasurante”, ou seja, que toca e transforma o ouvinte com leveza e profundidade. Em músicas como “Vambora”, “Esquadros” e “Devolva-me”, sua voz transmite melancolia e contemplação com elegância.

Marina Lima: possuía um timbre grave, suave e sofisticado — uma das marcas mais distintas de sua sonoridade pop-rock brasileira. Essa classificação vocal contribuía para a atmosfera introspectiva e sensual de suas músicas. Sua voz se adaptava bem a arranjos eletrônicos, guitarras limpas e sintetizadores, reforçando sua estética pop moderna. Sua voz era considerada por críticos como “sofisticada e cerebral”, com forte identidade estética e emocional. Ela influenciou gerações de cantoras que buscam unir poesia, estilo e autenticidade vocal. Em 2012, ela sofreu a lesão nas cordas vocais durante um procedimento médico mal-sucedido de aspiração na garganta. Sua voz nunca mais foi a mesma. Ela se destacou nos anos 1980 com sucessos como “Fullgás”, “Mesmo que Seja Eu” e “À Francesa”, onde sua voz contralto criava uma atmosfera envolvente e urbana.

Cássia Eller: Com timbre rouco, grave e visceral — uma das marcas mais fortes de sua identidade artística, ela possuía uma voz potente e emocional, que permitiu que transitasse com naturalidade entre gêneros como rock, MPB, samba e blues. Com extensão vocal que alcançava notas profundas sem esforço, seu timbre rouco e rasgado transmitia intensidade emocional e autenticidade. Ela conseguia cantar músicas suaves e melódicas, como “Por Enquanto”, e também faixas explosivas como “Malandragem”. Sua voz se aliava a uma performance intensa e visceral, criando uma conexão poderosa com o público. Sua voz foi considerada por críticos como “indomável” e “única”, capaz de emocionar e provocar ao mesmo tempo. Mesmo após mais de duas décadas de sua morte, sua voz continua sendo referência de força e liberdade na música brasileira.

Elza Soares: Marcada por timbre rouco, grave e extremamente expressivo, ela tinha das vozes mais singulares da música brasileira. Descrita como “rasgada”, “áspera” e “visceral”, o que a tornou inconfundível e poderosa em qualquer gênero que interpretasse. Ela desenvolveu uma forma de cantar que misturava samba com scat jazz, improvisos e efeitos vocais únicos. Transitou por diversos gêneros, como samba-rock, jazz, MPB, funk, hip hop e até punk. Em músicas como “A Carne”, “Mulher do Fim do Mundo” e “Se Acaso Você Chegasse”, sua voz transmite dor, resistência e identidade. Foi chamada de “voz do milênio” pela BBC de Londres, em reconhecimento à sua potência vocal e legado artístico.

Nana Caymmi: Seu timbre grave, aveludado e emocionalmente carregado foi essencial para construir uma carreira marcada por interpretações intensas e sofisticadas. Tinha uma dicção precisa e fraseado lento, que valorizam cada palavra e criam uma atmosfera intimista. Controle técnico refinado, com uso sutil de vibrato e dinâmica vocal. Considerada por muitos como a voz mais profunda da música brasileira, Nana construiu uma carreira à margem dos modismos, com fidelidade à sua estética pessoal. Sua voz é referência para cantoras que buscam intensidade sem teatralidade, e permanece viva como símbolo de elegância e resistência emocional. Se destacou por interpretar canções densas e poéticas, como “Resposta ao Tempo”, “Doce Presença” e “Cais”, com uma entrega emocional profunda.

Angela Ro Ro: com timbre rouco, grave e visceral — uma das mais marcantes da música brasileira. Sua voz inconfundível foi essencial para construir uma carreira pautada pela autenticidade, emoção e ousadia. Com estilo vocal direto e sincero, com interpretações que misturavam dor, paixão e liberdade, sua voz se adaptava com naturalidade a gêneros como samba-canção, rock e MPB. Sua voz contralto permitia interpretações profundas e confessionais, muitas vezes com tom de desabafo ou provocação. Destaques em “Simples Carinho”, “Amor, Meu Grande Amor” e “Escândalo”.