Por que o Grammy ignora canções geniais há 70 anos?

Prestes a completar 70 anos, a categoria de Canção do Ano no Grammy permanece como o mais fascinante estudo sobre a miopia institucional da indústria fonográfica.
Nenhuma canção de Janis Joplin, The Doors, Prince, Queen, David Bowie, Aretha Franklin e Whitney Houston venceu na categoria. Madonna, Rolling Stones, Bob Dylan, Elton John, Stevie Wonder, ABBA, Taylor Swift e Lady Gaga, seguem pacientemente na fila de espera por este reconhecimento de composição.
Michael Jackson, o Rei do Pop, possui uma única vitória solitária, e ainda assim, diluída no projeto humanitário de caridade “We Are The World”.

Grammy – Esnobados na categoria Melhor Canção @ Gemini

Desde sua estreia em 1959, o Grammy estabeleceu uma barreira estética contra as revoluções que pulsavam nas calçadas. Enquanto o Rock and Roll e o R&B de vanguarda redesenhavam o comportamento da juventude, a Academia refugiava-se em baladas tradicionais e temas cinematográficos de compositores como Henry Mancini. Não se tratava apenas de uma escolha estilística, mas de uma tentativa deliberada de silenciar o barulho das mudanças sociais sob o verniz de uma civilidade sonora.

O ano de 1967 ensaiou uma ruptura quando a composição “Michelle”, de John Lennon e Paul McCartney, finalmente rompeu o cerco. Foi a primeira vez que o rock contemporâneo venceu o prêmio, derrotando o conservadorismo das baladas de salão. Contudo, o suspiro de modernidade foi curto. Apenas dois anos depois, a tola canção “Little Green Apples” triunfava sobre os monumentos culturais “Hey Jude” e “Mrs. Robinson”.

1970

A década de 1970 consolidou-se como o refúgio em torre de marfim da Academia. Enquanto o mundo era incinerado pela urgência do Punk londrino, pelo Glam Rock andrógino de David Bowie e pela sofisticação arquitetônica do Queen com “Bohemian Rhapsody”, o Grammy preferia o isolamento acústico de estúdios luxuosos.
Foi o apogeu do Soft Pop inofensivo. A instituição premiou o escapismo de “Games People Play” e “The First Time Ever I Saw Your Face”, enquanto ignorava solenemente o clamor social de Marvin Gaye em “What’s Going On”.
A barreira contra o real era tão espessa que, entre 1974 e 1978, a categoria premiou uma sucessão de baladas sacarinas como “Killing Me Softly with His Song”, “The Way We Were”, “Send in the Clowns” e o hino do narcisismo pop “I Write the Songs”.
O ápice do anacronismo deu-se com as vitórias de “Evergreen” e “You Light Up My Life”, enquanto o Funk de James Brown e o Reggae de Bob Marley inventavam o som do futuro nas periferias globais, totalmente invisíveis para a elite de Los Angeles.

1980

Ao analisar os anos de 1980, a miopia transformou-se em cegueira tecnológica. Foi a década em que o sintetizador redesenhou a música e o videoclipe transformou a moda em um espetáculo ininterrupto.
No entanto, para o Grammy de Canção do Ano, a revolução do New Wave de nomes como Eurythmics, Depeche Mode, New Order e The Cure nunca aconteceu.

A Academia parecia horrorizada com a “artificialidade” das máquinas, preferindo premiar o iatismo sonoro de Christopher Cross com “Sailing” ou o saudosismo country de “Always on My Mind”, que em 1983 derrotou o impacto sísmico de “Billie Jean”. Sim, o mundo mudava de eixo com Michael Jackson, mas os votantes preferiam o conforto do violão de Willie Nelson.
A década seguiu ignorando os pilares da estética oitentista. Prince, o gênio que fundiu o funk com o rock e a psicodelia em “When Doves Cry” e “Purple Rain”, foi solenemente preterido por baladas de trilhas sonoras ou projetos de conscientização social.
Enquanto o Hip Hop nascia com a urgência de “The Message” de Grandmaster Flash e a rebeldia do Run-D.M.C. — movimentos que definiram a cultura urbana e o streetwear de luxo que hoje domina as passarelas — o Grammy entregava o prêmio de composição para a benevolência de “We Are the World” ou o sentimentalismo de “That’s What Friends Are For”.

No fechamento da década, quando Madonna desafiava a religião e o conservadorismo com “Like a Prayer” e o Guns N’ Roses devolvia o perigo ao rock com “Sweet Child O’ Mine”, a Academia refugiou-se na inocência de “Somewhere Out There” e no otimismo passageiro de “Don’t Worry, Be Happy”.

1990

A década de 1990 testemunhou um dos maiores hiatos de relevância da história, marcada por uma sucessão de melodramas industriais. O momento em que Eric Clapton venceu com uma versão acústica de “Tears in Heaven” enquanto o mundo era sacudido pelo movimento Grunge é frequentemente citado como a declaração de guerra da Academia à modernidade. A origem da canção é dilacerante, fruto de uma tragédia pessoal de Clapton com seu filho Conor, em 1991. A Academia, que demonstra um apetite insaciável por narrativas de redenção, utilizou a dor do artista como um escudo. Criticar a qualidade da música parecia uma ofensa à própria dor do pai. Musicalmente, no entanto, a obra é uma balada de estrutura básica, desprovida das progressões harmônicas desafiadoras que Clapton explorou em sua fase áurea.

Em 1993, enquanto o Grammy se emocionava com o acústico de Clapton, o mundo era revirado por Nirvana, Pearl Jam e Soundgarden. O cenário era dominado por “The Chronic”, de Dr. Dre, e pelo álbum “Automatic for the People”, do R.E.M., com uma melancolia muito mais densa e complexa.

69 anos do Grammy de Melhor Canção @ Gemini

Entretanto, a lista de vencedores daquela década preferiu o conforto de “Unforgettable”, uma composição de 1951, ou a segurança de trilhas como “A Whole New World”, “Streets of Philadelphia” e “My Heart Will Go On”. Entre vitórias de “Change the World” e “Sunny Came Home”, o prêmio de composição tornou-se um subproduto de marketing com pouca vida própria após o ciclo das luzes da cerimônia.

2000

Os anos 2000 marcaram o despertar de uma nova autoria, onde o Neossoul de Alicia Keys em “Fallin” e a imperfeição autêntica de Amy Winehouse com “Rehab” forçaram as portas da instituição. Foi um período de transição em que o minimalismo elegante de Norah Jones e o manifesto político das The Chicks em “Not Ready to Make Nice” tentaram equilibrar a balança contra o conservadorismo.

Contudo, o porto seguro do Rock de arena com o U2 e o Soft Rock inofensivo de John Mayer provaram que a Academia ainda hesitava em mergulhar totalmente no século XXI. Enquanto o Hip Hop de Eminem e a inventividade do Outkast redefiniam o consumo global, o Grammy de composição permanecia, em grande parte, um santuário para o que os votantes consideravam o novo adulto.

2010 – 2020

Por décadas, a majoritariamente, a Academia era chamada de “clube de cavalheiros” — majoritariamente branco, cis, masculino e com idade avançada — que tendia a votar por nostalgia ou por nomes que reconheciam nos encartes de LPs.

Em 2017, o mundo assistiu em choque quando o álbum “25” da Adele venceu o aclamado “Lemonade” da Beyoncé na categoria de Álbum do Ano. A própria Adele, em seu discurso, disse que não podia aceitar o prêmio porque Beyoncé era a artista da vida dela. Foi ali que a hashtag #GrammysSoWhite explodiu nas redes sociais, unindo a frustração racial à de gênero. No ano seguinte, após uma cerimônia onde pouquíssimas mulheres venceram, o então presidente da Academia, Neil Portnow, disse que as mulheres precisavam “dar um passo à frente” para serem reconhecidas.

Diante da quantidade de reclamações, ele foi forçado a deixar o cargo, e a Academia criou a Task Force on Diversity and Inclusion. Em seguida, convidou milhares de novos membros, focando em mulheres, negros, latinos e, crucialmente, jovens profissionais que estão na linha de frente da produção atual. Isso diluiu o poder da “velha guarda”.
Por décadas, a majoritariamente, a Academia era chamada de “clube de cavalheiros” — majoritariamente branco, cis, masculino e com idade avançada — que tendia a votar por nostalgia ou por nomes que reconheciam nos encartes de LPs.

Até 2021, o Grammy utilizava os chamados Comitês de Revisão de Nomeações. Eram grupos anônimos de 15 a 30 especialistas que davam a palavra final sobre quem seriam os indicados, muitas vezes ignorando o voto da massa de membros para colocar nomes que eles consideravam “mais prestigiosos” ou “comercialmente seguros”.
Após denúncias de falta de transparência e conflitos de interesse, esses comitês foram abolidos nas categorias principais. Hoje, quem decide os indicados é o voto direto dos milhares de membros. Isso permitiu que o “gosto real” dos profissionais da música chegasse à lista final, sem o filtro conservador de uma elite interna.
Outra regra que mudou foi o número de indicados. Passamos de 5 para 8 e, recentemente, para 10 indicados nas categorias principais (como Canção do Ano).

Com mais vagas, o Grammy parou de precisar escolher entre o “hit seguro” e a “inovação crítica”.
Ele passou a colocar ambos na mesa. Isso explica por que, mesmo que uma canção tradicional vença, a lista de indicados agora reflete muito melhor o que realmente aconteceu no ano.
Contudo, o DNA conservador da Academia ainda manifesta espasmos de nostalgia em vitórias seguras como as de John Mayer ou Bonnie Raitt, provando que, embora o paladar tenha se refinado, a zona de conforto continua sendo o prato favorito da casa.

A década 2010 terminou ignorando totalmente canções inovadoras, como de Beyoncé, Lady Gaga, Lana Del Rey, Weeknd, Kendrick Lamar, entre outras.

Nesta década, as vitórias de Childish Gambino e Kendrick Lamar surgem como pedidos de desculpas tardios por décadas de negligência com a cultura urbana.
A terceira vitória de Eilish na categoria – com “Wildflower’ – é sustentada por uma qualidade técnica irretocável, uma balada de construção clássica que utiliza o crescendo emocional com uma sofisticação rara no pop de algoritmo.
Embora o Grammy ensaie se modernizar, o panorama sugere que a relevância futura de um vencedor continua sendo uma incógnita.
No final das contas, a história do Grammy de Canção do Ano continua sendo a crônica de uma instituição que, na tentativa ansiosa de ser eterna, frequentemente se esqueceu de ser atual.